어디에 써야할까 하다가 복습한다고 생각하고 여기에 쓸려고 한다.
유스보이스 미디어 랩 빡세게 다큐 6차 20111217 (토)
이번 수업은 촬영에 대한 수업이었다.
촬영에 관한 수업은 이번 수업에 처음이었는데 지금까지는 다큐멘터리의 역사와 기획, 구성에 대한 수업이 진행되어왔다.
다큐멘터리 제작은 쉽게 기획, 구성, 촬영, 편집으로 나눈다. 기획은 전체의 뼈대를 잡는 과정이므로 부실하거나 제대로 되지 않으면 그 뒤에 구성, 촬영, 편집등이 불가능해진다. 구성은 기획에서 만든 뼈대에 살을 붙이는 과정으로 이야기를 어떠한 순서와 모습으로 보여줄지를 정하게 된다. 촬영은 건축으로 보면 실제 건물을 짓는 과정, 편집은 배치하고 마무리하는 것이다. 이러한 과정에서 지금까지는 기획과 구성을 해온것이고 이것은 앞으로도 촬영하거나 편집할 때까지 고민을 가지고 가야한다. 이번시간은 촬영에 대해서 배우게 된다.
촬영의 방식은 아날로그, DV, HD, HDV의 형식으로 진행되어 왔다.
아날로그의 방식은 굉장히 아름답고 좋은 화질을 담보하지만 비싸고 절차가 복잡하다는 단점이 있다. 현재 헐리우드 같은 곳에서는 5억 가까이 하는 필름을 사용하기도 한다고 한다. ㅎㄷㄷ;; 몇 억 짜리 삼각대에 녹음기도 사용한다고 그랬다. 그래서 나온것이 디지털이다. 디지털이란 작은 필름에 빛의 색감, 모습들을 전자신호로 기록하는 방식으로 아주 싸고 무한 복제가 가능하다는 장점이 있다. 또한 아날로그가 가지는 복잡한 절차들도 없어졌다. DV의 8mm, 16mm는 극장에서의 상영이 힘들고 36mm로 바꿔서 상영해야하는데 그러면 화질이 많이 떨어진다 그래서 나온것이 HD방식이다. 또한 보통 DV는 텔레비전의 비율이 4:3이라고 한다. 요즘 텔레비전도 16:9로 바뀌는 추세이지만. 아무튼 감독님의 말로는 4:3은 예쁜비율이라고. 하지만 영화관에서 상영할 때는 16:9의 화면이 꽉차고 멋있는 느낌을 준다고. HD는 화질은 필름 전문가들의 말로는 거의 아날로그와 똑같은 화질이라고 하지만 영화제작자들은 가까워 질 수 는 있지만 절대 도달할 수 없다고 한다. 아무튼 좋은 화질의 HD는 아날로그만큼은 아니지만 일반제작자들이 사용하기에는 굉장히 비싸다. 그래서 나온게 HDV라고 한다. DV의 형식에서 HD의 화질과 16:9의 비율이 가능한, 그리고 HD 보다 굉장히 싼. 하지만 현재는 HDV는 없어지는 추세이고 대부분 HD를 쓴다고 한다.
DSRA는 렌즈 탈부착식 카메라를 뜻하는 것이고 동영상에도 웬만한 기능도 다 잘되고 아무튼 영상을 찍기에 꽤 괜찮다는 이야기를 해주셨다. 아, 관심이 없어서 인가.. 기억이 잘 안난다.
뭐랄까.. 이런쪽으로는 그러니까 기술쪽으로는 약해서 자신이 없다. 일단 내가 이해한정도로만.
중요한 부분이 이부분 인듯.
촬영이 잘된 영화는 어떤 방식이든 일관된 촬영의 방식이 있다. 자신이 기획하는 영화가 어떠한 촬영의 컨셉을 가지고 갈지를 결정해야한다는 것이다. 촬영에는 리듬감이라는 것이 있고 음악을 생각할 때 어떤 느낌의, 어떤 톤의 촬영을 원하냐라는 것이다.
같이 본 영화로는 다르덴 형제의 [로제타]와 안드로이 타르코프스키 감독의 영화(제목이 기억이 안나서;;)였다. 빠른 호흡의 쫓아가는 듯한 다르덴 감독의 영화와 한컷이 9분씩되는 타르코프스키 감독의 영화를 대조하면서 영화에서의 각자 다른 촬영의 방식이 있다는 것을 알 수 있었다. 다르덴 감독의 촬영의 방식은 모두 핸드에이드(손으로 들고 촬영하는 기법)을 사용한 영화이고 완벽한 컷들로 구성되어 있다고. 또한 많은 감독들이 따라하고 있기도 하고. 나래이션이나 배경음악을 전혀 사용하지 않고 스토리와 화면의 긴박감으로 승부하는 감독이라고한다. 한컷한컷이 완벽하게 구상되어 있는 것이라고 그런다. 타르코프스키의 영화는 보통 모두 롱 테이크의 방식을 취하고 있다. 긴 호흡으로 사실성, 실제감 등을 중요시하였고 또한 그렇게 영화를 보여주는 것이 영화를 보여주는 진실한 방법으로고 믿었던 것이라고 한다. 같이 맥락에서 나왔던 것은 EBS에서 방송되었던 [최후의 만찬]이라는 다큐멘터리였는데 영화가 전체적으로 붉은 톤이었다. 영화의 색감이나 분위기도 결정할 수 있다는 것, 혹은 결정해야하다는 것이다.
음.. 이 부분에서 아, 정말 촬영이 중요하구나. 하고 느꼈다. 음.. 전부터 촬영은 중요하지 하고 당연하게 생각하고 있었는데.. 다른 의미로 진짜로 촬영이라는 것은 기획과 구성을 통해 나오는 것이고 아무리 다큐멘터리라도 내가 만들어내고 이미지, 기획을 통한 것이구나라고 생각했다. 아, 다르게는 기획과 구성의 중요함을 느꼈는지도 모르겠다. 아무튼 굉장히 중요한 부분인 듯. 전에는 영화, 혹은 다큐멘터리라는 것을 내 방식대로 멋대로 이해하고 생각했달까. 기획까지는 잘 고민할 수 있는데, 이걸 왜 찍고 싶고 뭘 이야기 하고 싶고 나에게 어떤 의미가 있는지 까지는 잘 되는 편인데 이걸 어떠한 이야기로, 혹은 어떤 순서로 어떤 모습으로 보여지는 것에 대해서는 기획과 구성에서 크게 고민하지 않고 스스로도 중요하다고 생각하지 않아왔던 것이다. 구성과 의도들.. 감독님 말대로 내가 지금까지 해온 ... 혹은 그렇게 생각해왔던 것과는 다르게 작업할 수 있을 것 같다는 ..
특히 롱테이크가 많이 사용된 영화들을 볼때 마다 드는 생각인 것 같은데 이번에 타르코프스키 영화의 도입부에 9분짜리 컷을 보면서 꼭 내가 이 컷, 그리고 장면의 들어가서 지켜보는 듯한 기분이 들었다. 그것이 영화가 보여줄 수 있는 가장 진실이라고 생각했던 것일까? 영화를 꼭 한번보고 싶다. 다르덴 감독의 [로제타]도..
그리고 촬영의 기본적인 기술에 대한 수업이 이어졌다. 이부분은 각자 카메라로 직접 해보면서 수업이 진행되었다. 굉장히 약한 부분... 아마 전혀 모르는 것이었으면 아예알아듣지 못했을 꺼다. ;;;; 빠지거나 잘못된게 많을 수도 있다. 아무튼 들은대로 정리해보면..
먼저 포커스에 대한 부분이다. 포커스는 링으로 수동으로 맞춘다. (링은 카메라 앞에 돌리는 부분)
그리고 광각(macro)과 줌렌즈(take)가 있다. 광각은 줌을 당기지 않은 상태에서 가깝게 촬영하는 것을 말한다. 접사라고.. 그리고 줌렌즈는 줌을 당기는 것.
화이트 밸런스는 화면에 색감을 맞추는 것인데 화이트 밸런스를 수동을 바꾼 후 어느정도 거리에서 (가까우면 안됨) 하얀색을 화면에 두고 맞추면 된다. 색은 온도에 민감하다. 따뜻하면 파란색이 강하고 추우면 빨강색 빛이 나게 된다. 또 일부로 화이트를 다르게 맞추고 싶다면 원하는 색의 보색에 화이트를 맞추면 된다고 한다. 보통 화이트 밸런스는 사람의 얼굴에 맞추면 된다고 한다. 내가 보는 사람의 얼굴색과 화면의 얼굴색이 비슷하면 된다고..
그리고 노출인데 이부분이 어려워서...
일단 노출에는 F-stop(조리개), Iris가 있고 끼어서 같이 이야기할 shutter speed 가 있다.
F-stop은 조리개의 수치를 이야기하는 건데 카메라로 들어오는 빛의 양을 뜻한다. 수치가 적을 수록 많은 빛을 가지고 오기 때문에 밝게 보이고 수치가 클 수 록 어둡게 보인다.수치는 보통 약 2 부터 30정도 까지 있는 듯. 여기서 심도라는 것이 있는데 심도란 화면에 깊이를 이야기한다. 사물들 사이의 거리를 이야기하는 것인데 심도가 높을 수록 선명하고 거리감이 뚜렷하다. 심도가 낮을 수록 화면이 평면처럼보이고 선명하지 않게 보인다. 보통 F-stop의 수치가 높을 수록, 그러니까 밝게 보일수록 심도가 낮아지고 수치가 낮을수록 심도가 더 깊게 보인다. 심도는 카메라와 대상의 거리등과도 관계가 있어서 멀리서 줌을 당겨 얼굴을 찍으면 심도는 낮아지면서 뒤 배경이 흐려지고 대상에게 집중되는 효과가 있어 인터뷰할 때 사용되곤 한다. (DSRA의 좋은점. 심도의 구분이 심함.)
셔터속도는 카메라의 셔터가 열리는, 찰칵하는 속도를 이야기한다. 보통 사람의 눈과 비슷한 속도는 1/60이라고 한다. 이 속도가 길어질수록 화면은 뭉개지고 혹은 움직이는 듯한 화면을 만들 수 있다. 음.. 그러니까 잔상이 많이 남는다. 또한 이 속도가 길어질 수 록 빛이 들어올 수 있는 시간이 길어지기 때문에 화면이 밝아진다. 자연히 속도가 줄어들면 화면이 어두워지고 더 선명하게 찍을 수 있다. 그래서 셔터 속도는 조리개와 같이 생각해서 맞추는 것이 좋다.
소리도 잠깐 이야기했는데 모노, 스테레오, 기타 등등 채널 등이 있다고 한다. 2.1, 3, 5.1 이런 숫자들로 표기하는데 이건 극장에서의 스피커의 수를 나타낸다고 한다. 전체의 이야기를 들을 때는 카메라의 내장된 것를 쓰고 보통은 지향성마이크 사용, 소리가 중요할 땐 와이어리스를 사용하는데 소리가 평면적으로 들려서 별로 안좋다고 한다. 꼭 소리가 중요한데 주변이 시끄러울 때 사용? 와이어리스는 연예인들이 허리에 차고 앞에 꼿는 그런 마이크를 말한다. 그리고 촬영할 땐 꼭 이어폰으로 소리들으면서 촬영하는 것이 중요.
그리고 급하거나 바로바로 뭔가가 힘들 때는 Auto 사용을 하라고 하신다. 아, 그리고 촬영은 많이 하고 한걸 봐야 는다고 하셨다. 촬영을 선천적으로 잘하는 사람은 1000분에 1명이라고..
심도에 관련해서 같이 영화를 한편 봤는데 마이클 니콜스 감독의 [졸업]이라는 영화이다. 결혼식에서 신부를 데리고 도망치는 장면에 원조격되는 영화란다. 영화에 기본적인 내용이 젊은 세대의 반항 혹은 갑갑함 이런걸 담은 영화라는데... 주인공이 신부를 데려가려고 결혼식장으로 달려가는 장면이 있다. 심도를 아주 낮게 촬영해서 주인공이 열심이 죽어라 달려도 제자리에 있는 것 같이 찍어놨다. 니가 아무리 달려봤자.. 뭐 이런?? 심도나 셔터스피드 같은 것도 잘 알아두면 좋을 것 같다.
뭐랄까 나처럼 느린애가 이걸 머리로는 이해해도 상황마다 잘 할 수 있을까 하는 생각이 든다. 어렵다. 아무튼 촬영도 어떤 방식으로 할지 고민해야하는 구나, 하는 생각이.. 든다. 아무튼 자신이 없다. 그럴수록 좀 더 구성을 확실히 해서 촬영에 들어가야하지 않을까 싶다. 해매거나 당황하지 않게.
이렇게 수업은 마무리되고 개인적인 작업에 대한 부분이나 어떻게 연결되는 옴니버스의 형식으로 연결하느냐에 대한 이야기등은 저녁을 먹으면서 이어졌다.
일단 이번 수업은 내가 잘 이해가지 않는 부분들이 있어서 수업의 내용대로 정리(?)했다.
뭔가 좀 더 정리하거나 작업이야기를 할까.. 아무튼 다른 이야기를 좀 더 하고 싶었는데
정신없이 수업에서 들은 이야기들만 쏟아낸듯.. 다음엔 좀 더 발전된 모습을;;;
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