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시간의 무상함

 

이 부분에서는 삶과 죽음, 과거와 현재, 존재와 소멸이 독특하게 섞여있는 작품들을 살펴볼 수 있다.

 

[49인의 명상]이라는 작품은 작가가 문득 옛 사진을 발견하고, 그 당시에 존재했으나 소멸된 모습들을 독특하게 재창조한 것이다.

작가는 그들을 - 사진 속의 그 모습들을 - 과거와 현재의 틀 사이에 놓아두기로 했단다.

그 방법으로 영혼이 빠져나가지 못하도록 눈을 감기고,

생기를 불어넣기 위해 입술을 붉게하고,

사진 위에 투명하고 두터운 막과 테두리에 틀을 튼튼히 해서 박제된 시간 속에 사진을 가두어놓았다.

 

사진 크기가 어마어마하게 커서 마치 사진 속 거인들이 바로 눈을 뜨고 걸어나올 것 같으면서도, 사진 위의 두터운 투명막 때문에 평면인데도 확실히 '박제'되었다는 느낌이 든다.

차라리 아무것도 남지 않았다 할 것을, 입술에 불어넣은 생기가 오히려 안타까워보인다.

 

 

기계 - 사이보그, 그리고 눈물

 

이 부분에서 작가는 기계문명의 발달과 그로 인해 발생하게 되는 기계와 인간의 관계 역전을 지적해보고 싶었단다.

 

[사이보그]라는 작품은 다양한 사람 모양의 사이보그 모습을 초상화처럼 걸어놓았다.

그림 중에는 진짜 기계처럼 큰 눈과 젊은 모습을 한 것도 있지만,

독특하게도 사람 크기의 눈이나 늙은이의 모습을 한 것도 있다.

사이보그는 인공지능과 달리 전혀 인간다운 면이 없는 기계일 뿐인데,

사람 모습이라는 것만으로도 인간보다 더 인간다운 느낌을 주는 듯 하다.

 

 

2층에 가면 [부서진 얼굴들]이라는 작품이 있는데 사진만을 이용하여 찢어 붙이기를 통해 꼴라쥬로 표현된 작품들이다. 아래 그림은 사진만으로 표현한 것인데도 불구하고 눈이 기계 눈처럼 보인다.

 

아래 작품은 바코드를 보면서 착안한 방식이라는 데, 여자 얼굴 안에 남자의 모습을 볼 수 있다. 그런데 어째 실제 작품보다 그림 파일이 더 무서워...O.O;

 

 

 

죽음

 

이번 전시의 마지막 부분은 죽음이라는 주제로 끝을 맺고 있는데 작가가 6번째 인도에 갔을 때 그린 그림들을 전시하고 있다. 대체로 색감은 화려하지만 매우 잔잔해보이는 그림이 많은데, 물감을 붓의 터치에서 그냥 흘러가는 대로 내버려둔 것 같다.

 

 

한편 작가는 자화상을 참 많이 그린다고 한다.

인도 편에서도 역시 자화상이 있었는데, 어찌나 귀여운지...ㅋㅋㅋ

 

 

작가와의 대화 시간엔 작가가 고1부터 30년넘게 그려온 엄청나게 많은 작품들을 봤다.

설명이 곁들여져서 그런지 

초기작부터 최근까지의 작품들이 서로 얼기설기 연결되어 있는 느낌이다. 

얼마 안되는 시간이었지만

작가의 인생을 은근슬쩍 훑어본 것 같은 묘한 만족,

'사람'이라는 존재에 대한 묘한 감동,

그가 일구어낸 한우물에 대한 묘한 경외가 느껴진다.

 

80년대는 시대가 엄혹해서 확실히 사회로 눈을 돌린 작품들이 눈에 띤다. 부마사태, 광주사태 등... 그 안에서는 권력의 핵심과  무력한 지식인, 그러나 저항할 것을 촉구하는 메시지들이 담겨져있다.

 

그런데 90년대에 들어서면서 작가는 '격변하는 시대' 모습을 담기 시작한다. 물질만능주의, 애정없는 섹스, 동성애, 과거 권위에 대한 희화 등등...

80년대의 저항보다는 다양한 사회를 바라보는 시각이 중년의 작가를 통해 사회의 다변화를 느끼게 해준다.

흥분될만한 저항의 기운이 사라진 것 같은 안타까움에,

나도 모르게 작가에게 질문했다. 90년대 이후 저항의 대상은 무엇이냐고?

작가는 대답한다. 80년대의 치열한 사회 문제가 90년대 이후 사회 속으로 '흩어졌다'고...

 

의제가 흩어졌다. 집중이 아니라 분산되었다.

집중되었을 때 극명히 드러날 대중의 저항은 의제가 흩어짐으로 인해 눈에 보이지 않게 되었다.

사람들 마음 속 뜨거운 피는 의제의 집중을 통해서만, 눈에 보이는 혹독한 사회현실 속에서만 가능한 것일까?

무엇이 사람들 마음 속 세상의 모순과 저항의 발걸음을 함께 할 수 있게 하는걸까?

 

* 그림 출처 : http://www.ahnchanghong.com

 

 

 

 

 

 

 

 

 

전통혼례도 몇 장...

 

 

 

 

잠시라도 날고있는 닭의 모습, 찍어놓고 놀랐습죠. 완전 흔들릴 줄 알았는데...

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

전시관 입구에 떡하니 버티고 서있는 [모뉴멘타 미(monumenta me)]라는 이 작품은 내 키높이를 훌쩍 넘긴 성 같은 느낌을 준다. 그러면서도 위의 뾰족 탑들이 동화 속 그것을 연상하게 한다.

 

 

간단한 스케치들 속에 포스터 하나가 눈에 띄는데,

[MinJoong Art]라고 적혀 있고

부제로 'New Movement of Political Art From Korea'라고 적혀 있다.

 

 

박이소의 작품 중에는 그림 일기같은 작품도 있다.

1986년에 만든 [무제]에는 이런 글이 적혀있다.

'나는 그림 그릴때마다 이 그림이 딴 사람들 맘에 들었으면 하고 생각한다. 그러면서도 요즘 세상에 가만히 벽에 붙은 그림이 뭘 할 수 있을까하며 자주 한심해 한다.'

이 글을 읽다보니 당시 작가의 운동(movement)에 대한 열망과 좌절이 살짝 배어나오는 느낌이다.

 

 

박이소는 이름을 지울 때 동시에 단식이라는 행위 역시 상징적으로 병행했던 것 같다.

리플렛 표지에 단식을 하면서 밥솥을 메고 어느 다리를 건너고 있는 작가의 퍼포먼스를 볼 수 있다.

 

 

[오각형의 자백]이라는 작품은 그가 단식을 할 때마다 주변 사람들에게 이번 단식에 대해 어떻게 기술했는 지를 몇가지 분류로 나누어 적고 있다. 이는 같은 행위에 매번 다른 답변을 한 것 같아 거짓이면서도 답변 자체는 모두 사실이다.

단식의 오각형

단식일을 적고 있는데 1995.7.21 ~ 8.4 까지...  꽤 오래했네.-_-

저항적 자기 해체

'나의 몸을 소재로 삼은 상태에서 시간과 공간의 속박(혹은 축복)에 잠시 반기를 들어본, 저항적이나 결국은 소극적인 자학'

자살 충동

'먹지 않기'에 대한 선택은 오히려 자신에게 스물스물 피어오르는 자살 충동에 대한 예방 백신으로 간주하고 있다.

정신력의 승리

뭔가 자신에겐 예술가적 창조성 등등 보다는 정신력과 인내력이 다라고 생각한 모양이다. 이를 강화하고 싶었다고...

건강론

건강하고자 하는 사치스러운 욕망

분노와 짜증

보스니아 사태와 같은 인간의 잔혹성이 아니라 '자신의 무능함, 나약함, 생존의 위태함, 가소로움에 대한 실존적 노여움'이며, 자기개혁의 의지가 뒤엉킨 것이란다.

 

 

그의 작품 중에는 1998년도에 제작되었다지만 7,80년대 분위기가 물신나는 작품도 있다.

[포럼 A의 뉴스레터 표지 디자인]은

맨위에 벽돌마다 '성실1','성실2' 라고 붙인 벽돌 더미가 있고,

중간에 벽돌이 쌓인 벽과 '열심히 노력하여'라는 글이,

맨 아래 꽃 모양과 '재능을 꽃피우자'라는 글이 적혀있다.

어찌나 구호적이고 계몽적인지 보면서 실실 웃음이 나왔다.

 

 

[오늘]이라는 작품은 전시장 밖에 비디오 2대를 하늘을 향해 설치하여 태양의 움직임을 찍고,

전시장 안에서는 벽 한쪽을 잘라 눕히고 프로젝터를 통해 하늘의 모습을 보게 한다.

그야말로 실시간 하늘 이미지를 볼 수 있는데, 참고로 실내는 조명이 있어 구름이나 하늘 색 등이 자세히 보이지는 않는다.

 

 

[오공계(五空界)]는 스테인레스에 동그라미 5개를 뚫고 나무합판으로 메꾼 작품인데,

작품 앞쪽보다 오히려 작품 뒷벽의 그림자가 더 재미있다.

 

 

[팔라야바다(Fallayavada)]는 작가가 설계해놓은 도면을 보고 그대로 재현한 작품인데, '하나의 선이 만들어내는 천개의 낭떠러지이며, 외부 세계와 연결된 틈, 우주로 통하는 작은 우물'이란다.

콜로세움 가운데 하늘에서 땅을 찍은 영상이 보이는데, 2006년 우리나라에서 제작된 작품의 경우엔 제부도 상공에서 찍은 땅 모습을 볼 수 있다.

 

 

[당신의 밝은 미래]라는 작품은 10개의 조명이 출구쪽 벽에 집중 투사되면서 내가 나가는 길을 밝혀준다.

그리고 그 길의 끄트머리에는 '평화롭고 행복한 삶을 살았으면 좋겠습니다. 외롭지 않았으면 좋겠습니다. 제가 너무 평범한 말을 해서 충격받지 않으셨나요?'라고 적혀있다.

 

 

전시를 둘러보며 작가가 뭔가 확고부동한 세계를 표현한다기 보다는

끊임없이 자신을 의심하고 채찍질하는 듯한 느낌을 많이 받았다.

그런 의미에서 그의 작품들은 재미있고 재치있어보이면서도 무게감이 느껴진다.

 

이러한 무게감의 느낌은 이번 전시의 이름이 단테의 '신곡'을 풀어 쓴 탈속의 코미디라는 점에서 더욱 강화되었는 지 모르겠다.

작가를 생각할 때 잠시 피카소의 서글픈 광대 그림이 떠오르기도 했는데,

단식 등으로 스스로를 옥죄는 것에 대한 피로감을 느껴서인 것 같다.

그러나 언제나 예술에 대한 정체성을 고민하기 위한 행위였다는 측면에서 삶의 고단함과 인간의 위대함을 동시에 나타내는 듯한 피카소 그림과는 좀 다른 뉘앙스를 풍기는 건 사실이다.

 

확실히 작가는 예술 추구에 대한 괴로움, 진정성에 대한 의문에 휩싸여 있던 것 같지만,

안식을 구하는, 정체성을 추구하는, 희망을 갈구하는 자였기에

포스트모던을 추구하거나 즐기는 것과는 전혀 다른 작품, 전혀 다른 활동이 가능했으리라 본다.

 

* 사진출처 : 로댕갤러리(http://www.rodingallery.org)